L’entrevue

 

L: Comment vis-tu la période de confinement ?

E: Il y a des choses que j’aime et je me demande pourquoi j’aime cela. Depuis le mois d’avril de l’an dernier, j’ai été coordonnatrice de la création, puis directrice de la création à l’École nationale de cirque. J’y occupe un poste à temps plein que je n’ai pas perdu, donc au niveau financier c’est moins angoissant.

L: Est-ce que tu enseignes en ligne avec les élèves de l’École nationale de cirque ?

E: Oui. Nous commencions à préparer le spectacle annuel qui devait être présenté en début juin. Il a fallu que je réinvente les formules de spectacle pour l’adapter au web. Ça a été intéressant de se questionner à ce sujet.

L: C’est rafraîchissant de voir cela de cette manière.

E: On dirait que cette phase de questionnement va être importante. C’est comme dans une création: il y a une idée, mais tu ne sais pas trop… Si on ne prend pas le temps de se questionner, on va juste retomber dans des habitudes qui n’auront peut-être plus de sens dans la nouvelle réalité. Je sens que cette période va travailler notre besoin de toujours être productifs et réactifs.

L: Oui et on est tous dans cette situation.

E: Oui, ça aide je trouve.

L: C’est réconfortant… Bon, je devrais commencer, Estelle, est-ce que tu es prête ?

E: Oui.

Quel a été ton premier contact avec la danse ?

 

E: Mon premier contact avec la danse a eu lieu à l’école où j’allais en France. J’avais 7-8 ans et un couple est venu nous enseigner une classe de mouvement. C’est mon plus vieux souvenir de la danse. Également, ma mère avait fait des études de danse et c’est beaucoup grâce à elle si je suis allée vers ce médium. Sinon, je pense que j’aurais été clown ou actrice (rires) parce qu’assez rapidement, j’ai réalisé que j’aimais jouer et interpréter : c’est ce que je préférais de la danse.

À quoi rêvais-tu quand tu étais jeune ?

 

E: Je voulais tellement être une ballerine ! (rires)

L: Ah oui ? Une ballerine ?

E: Oui. Ma première paire de pointes… C’était le bonheur total ! J’étais dans un conservatoire à Avignon, en France. Il y avait des cours de danse contemporaine et on me disait que j’étais bonne en danse contemporaine, mais moi je n’aimais pas ça, je trouvais ça bizarre. Je voulais vraiment être une ballerine : mon rêve était de devenir une danseuse étoile.

L: Oh wow, pas juste une ballerine.

E: Oh non ! J’avais de l’ambition (rires).

L: C’est drôle, on a été à l’opposé quand on était jeunes: moi je ne voulais pas être une ballerine.

E: Ah non ?

L: Je détestais le ballet et c’est ce que je suis finalement devenue (rires).

E: Alors qu’est-ce qui t’a amenée à devenir une ballerine ?

L: C’était notre prof de claquettes et de jazz qui nous obligeait à prendre des cours de ballet. Je pense que j’ai pris un cours de ballet et j’ai refusé d’y retourner : je ne voulais rien savoir du ballet (rires).

E: Je pense qu’encore maintenant, ce qu’il me manque, c’est un bon cours de ballet. J’adore les sensations dans les jambes et la musicalité. Mais surtout la force du travail du bas du corps en ballet, la tenue et tout.

L: Tu sais, j’ai parlé avec plusieurs danseurs la semaine dernière, dont la plupart sont des danseurs contemporains. On donne des classes en ligne en ce moment et je leur ai demandé : “ Quel cours aimeriez-vous suivre ?” Tous les danseurs contemporains m’ont dit qu’ils voulaient suivre des classes de ballet.

E: Ah oui ?

L: (rires) Je pense que c’est un cours dans lequel tu sais à quoi t’attendre, ce qui ramène quelque chose de leur jeunesse qui est familier et réconfortant.

E: C’est les premiers plaisirs aussi : la première pirouette… Quand tu commences à contrôler ce que tu es capable de faire. Je me rappelle de grands moments de plaisir dans les diagonales et les petits sauts…

Qu’est-ce qui t’a amenée à entreprendre une carrière artistique ?

 

E:Je me suis souvent posé la question et j’ai souvent voulu arrêter. Ma rencontre avec le Québec y est pour beaucoup. Quand j’étais jeune, à Avignon, mes parents avaient un restaurant et moi j’y travaillais l’été. Il y avait un festival de théâtre et beaucoup de québécois y participaient avec la Ligue nationale d’improvisation. Ils venaient manger au restaurant et je les servais. Je les entendais parler et il y avait chez eux une liberté que je ne retrouvais pas en France. J’ai réalisé que ce dont j’avais vraiment envie était peut-être possible, mais ailleurs. Où j’étais, on m’avait souvent découragée parce que je n’étais pas docile (rires). On me disait que je n’arriverais pas à faire ce métier-là. C’est beaucoup par défi que je me suis dit: “ouais, je vais vous montrer que je vais y arriver”.

Maintenant que je ne danse plus, je ressens un profond besoin d’exprimer par le corps. Et vraiment, je crois que la musique joue chez moi un rôle très important.

Si je mets de la musique, il faut que je bouge: c’est un besoin d’expression…

J’ai longtemps dansé pour O Vertigo. Puis, j’ai eu un gros accident et j’ai voulu tout arrêter mais ce besoin d’expression m’a toujours rattrapée.

Quelles ont été les rencontres marquantes dans ton parcours?

 

E: Dans mon parcours d’interprète, j’ai travaillé longtemps avec Ginette Laurin et ça a été très formateur pour moi. J’ai dansé de 1991 à 1998. Ça a été une belle époque. J’ai eu des rencontres avec des partenaires de jeu, comme la création que j’ai faite avec Marc Béland, que j’ai beaucoup aimée. Ça s’appelait L’asile de la pureté, c’était une pièce de théâtre dans laquelle je jouais un rôle, notamment avec lui et ça a été un moment marquant pour moi.

Comme chorégraphe, ce sont des interprètes avec qui j’ai travaillé qui m’ont marquée. Par exemple, Esther Rousseau-Morin est une personne avec qui je travaille et une inspiration pour moi : son corps, son esprit, sa créativité. Il y a Brice Noeser aussi qui est très important dans mon parcours. Il y a Alexandre Parenteau, Sylvain Lafortune… J’ai créé une pièce qui s’appelle S’envoler en 2010 et ils étaient tous dans celle-ci. Ça reste pour moi le cœur de mon équipe de création: ce sont des gens très importants pour moi.

La rencontre de Jean-Pierre Perreault a également été très importante pour moi. J’ai dansé avec lui et j’ai beaucoup appris en le regardant. C’était un chorégraphe très chouette et j’aimais beaucoup son travail de groupe et son utilisation des gens dans ce contexte. Son univers était très clair et j’aimais la théâtralité qu’il mettait dans le corps. J’ai appris beaucoup en le regardant. J’ai fait 2-3 productions avec lui puis, malheureusement, il est décédé. C’était comme un papa : il était très paternel avec tous ses danseurs (rires). Il nous faisait des plats à ramener chez nous, mais surtout, il m’a donné une chance. Il avait créé un espace de recherche entre architecte et chorégraphe et m’avait proposé d’en faire partie alors que je commençais comme chorégraphe.

Je me souviens, j’ai travaillé avec Big City. Il m’a appris un truc que je n’ai jamais oublié. Je regardais toujours ce que j’étais en train de créer d’un point de vue. Puis un jour, il est venu me chercher par le col de ma chemise et il m’a changée de place. Il m’a dit : “Change ton point de vue de temps en temps” (rires). Maintenant, j’y pense à chaque fois que je fais une pièce et je change de point de vue. Ça a été une révélation pour moi.

L: C’est sage ça.

E: Tu l’apprends en le faisant ce métier-là. Si personne ne te l’apprend, tu fais les mêmes erreurs que tout le monde avant de comprendre.

L: Ce ne sont pas tous les chorégraphes qui sont ouverts à ce niveau d’échange, d’apprentissage et de partage avec les autres chorégraphes (ou danseurs même).

E: Non et c’est dommage parce qu’on n’a pas d’autres façons de l’apprendre : c’est par imitation ou par conseil. C’est tellement personnel les univers qu’on développe mais il y a des choses par rapport à l’utilisation de l’espace et la façon de travailler avec des concepteurs qui peuvent être communiquées.

Avec ça en tête, j’aimerais savoir : quel aspect de ton travail comme chorégraphe préfères-tu ?

 

E:J’aime beaucoup le moment juste avant de rentrer en répétition. Quand je peux parler de mes idées et mes questionnements avec un dramaturge ou des répétiteurs-trices comme Annie Gagnon, qui est en fait assistante de création dans mon cas car on collabore beaucoup. J’aime beaucoup ces rencontres où on a juste un pressentiment de projet et on discute autour d’une idée. Après, j’angoisse beaucoup avant de commencer les répétitions, parce que j’ai toujours l’impression que je n’ai pas d’idées et que je ne vais pas y arriver (rires).

Un des moments que j’adore est quand on rentre au théâtre. On arrive et on s’installe dans les loges: on apprivoise l’espace, on parle des rideaux, on fait des essais de ce que l’on a en tête… Le passage du studio au théâtre: ça c’est super. Un moment que j’aime particulièrement est quand on fait la conception d’éclairages. Pour moi, ce sont à chaque fois des cadeaux. Surtout quand j’ai à travailler avec des concepteurs géniaux comme Martin Labrecque où je n’ai rien besoin de dire car j’aime tout ce qu’il propose.